Arte conceptual, poesía y pintura, Elsa Gillari

Por Rocío L’Amar

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Discurso pictórico

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La pintura que quiere ser pintura y que no quiere ser otra cosa, que no quiere ser más que eso: pintura, nos expresa su voluntad en un lenguaje ardiente en un lenguaje imaginativo, voluntariamente poético, es un decir, una dicción espiritual perfecta. Luego la pintura que no quiere ser más que un lenguaje imaginativo plástico, una dicción, un decir algo o un decir de algo. ¿Qué nos dice o de qué nos dice? ¿Qué es eso, lo que sea, que quiere decirnos, si su voluntad imaginativa trata, sencillamente, de expresar, de decir, o decirnos, algo? ¿Y cómo nos lo dice?

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Pero esto no debe confundirnos, porque, a veces, donde menos se piensa, que es donde menos parece que se piensa, suele saltar la pintura verdadera, y no saltar en cambio, donde más se la quiere o se la piensa. Por eso, hay en pintura la simulación de la simulación y los simuladores de los simuladores.

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No es fácil distinguir claramente hasta dónde un pintor simula, imaginativamente, no una representación, que es voluntad suya de la pintura, sino una representación imaginativa, que es la representación o voluntad de otro pintor que le ha precedido, como suele simular, sin saberlo, la voluntad de la pintura expresamente manifestada en otro, porque los pintores, como los músicos y los poetas, no solamente verifican la imitación de la naturaleza por simulación o representación imaginativa o por invención y creación verdadera de imágenes, sino que también se imitan las pinturas a las pinturas, o las poesías a las poesías, o las músicas a las músicas, distinguiéndose en estas simulaciones una graduación que es la de simuladores de simuladores o simuladores de inventos.

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Entre los primeros, difícilmente encontraremos ningún pintor auténtico. Entre los segundos encontraremos constantemente muchos más de los que podríamos imaginar.

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Siendo así, aparecen movimientos artísticos, obras gráficas online, tendencias que decoran, ambientan espacios con pinturas, dibujos excepcionales en diferentes estilos. Y dentro de este fenómeno irrumpe el arte conceptual, la pintura conceptual, el/la pintor(a) conceptual.

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Arte Conceptual

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El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como menor soporte.

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El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (principal artista) serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

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Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la II Guerra mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa, EEUU y Japón. Dos figuras destacan como manantiales de nuevas ideas: el antes mencionado Marcel Duchamp (que emigró a EEUU durante la I Guerra Mundial) y el compositor estadounidense practicante del budismo zen John Cage. Sin embargo, fue en los límites de la pintura, donde se concentraron las actividades vanguardistas. En EEUU, Robert Rauschenberg y Jasper Johns transformaron la pintura con objetos cotidianos y eventos fortuitos, y cuestionaron su situación privilegiada en tanto que objeto especial. En japón, las obras basadas en la performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action painting hasta transformarlos en actos rituales de agitación. En Francia e Italia, Yves Klein y Piero Manzoni respectivamente desarrollaron prácticas vanguardistas paralelas en las que realizaron el contenido ideal de la experiencia artística a partir de su concepción alternativa del significado metafísico del monocromo. En cada paso, la ampliación hasta la destrucción de la idea de la pintura alentó un interés por lo efímero y lo inmaterial que prefiguró el "arte conceptual" con conciencia de su propia identidad subsiguiente.

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El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.

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De este concepto han surgido formas artísticas como fluxus y el mail art.

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Surrealismo- Simbolismo- Arte Conceptual

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“Los símbolos, nos dice Elsa Gillari, son el lenguaje que utilizo para expresar mi mundo interior, son los bocetos son el antes de la obra, es esa idea que se compone de varios instantes. Aparece entonces el símbolo como primera imagen mental de la temática a construir. No comprendo el significado y permito que navegue hacia el exterior materializándose en un punto referente a desarrollar, además no cuestiono contenido ni color, simplemente habilito el símbolo para que se exprese en toda su dimensión, este generalmente se manifiesta en un estado de neutralidad, siendo los ejes de la misma los que transmiten mensajes aplicados a una completa cosmovisión. Las obras nunca están terminadas, porque se retroalimentan entre si y son como partes de una totalidad expresiva. Esta búsqueda infinita y constante genera un tipo de indeterminación creativa. Así el espíritu percibe objetos y emite conceptos que plasmo en expresión artística. Lo simple es la manera espontánea de la artisticidad y la razón no participa, ya que contaminaría el concepto.”

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Lenguaje: Papel y Lienzo

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Elsa Gillari está entregada a la búsqueda de un lenguaje para su poesía, y en su capacidad expresiva y creativa también para las artes plásticas, ambos insertos en los cánones estéticos de la modernidad. Un espacio escritural creado para la poesía y un espacio pictórico creado para la pintura. Probablemente el quid o esencia más sustancial sea evidenciar que el hilo conductor es la visión, interrogación, experimentación del propio ser y el ser de las cosas y el mundo como una forma de existencia.

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Se generan así imágenes en una realidad sensible. La poesía asume la búsqueda de lo absoluto y la pintura atrae el resplandor del mundo en movimiento. Del mismo modo la transformación de formas, en la una y en la otra.

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El color/luz -en la pintura- y la sensación de color/luz –en poesía- es un elemento que pervive en ambas obras artísticas para la estética simbolista porque abarca diversos o múltiples significados a la hora de bucear/buscar/encontrar el tiempo íntimo, la hora impalpable en esta creadora.

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Estimulante, sugerente, llamativa, multifacética, son algunos de los calificativos que se me ocurren mencionar para la vida y la imaginería de Elsa Gillari.

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Asimismo cabe señalar -al referirme a los poemas- que la hablante intenta llenar la vaciedad y darle un nuevo contenido a su existencia, a través de la capacidad intuitiva y visionaria actuando como cubilete del inconsciente poético, es decir, asume y profundiza el proceso de la escritura, en constante hacer y deshacer formas, atmósferas, leyes de gravitación, universos, líneas, puntos, vibraciones…

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Sueños construidos al borde de ciertas hojas que saben sonreír, dice Vicente Huidobro en el poema Altazor. Y yo agregaría, aún cuando, el hombre y la mujer, deban asumir todas las cargas y dolores del destino humano.

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“eres tan especial…/incólume/ mas no puedo adaptarme/ a tu mundo/ de lagos azules/ hadas y duendes/ verdes praderas/ dulzores de mieles/ no puedo…/ he perdido la inocencia/ …/ eres …/ deliciosamente especial/ (me escribes poemas)/ y yo tan ingrata…” ( del poema (im)posible y una imagen en fotomanipulación digital de Elsa Gillari)

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Ese apogeo de lo mágico...

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Los pintores y poetas tienen en cuenta las armonías de tonos que consiguen dar unidad cromática a la pintura y unidad sintáctica al poema. Y la luz es factor determinante en el conjunto de ambas composición, sirve para crear y conformar el espacio, mayor o menor iluminación incidirá de distintas maneras en el objeto/receptor/espectador, luz compositiva y luz conceptual tiene como finalidad la potenciación del mensaje.

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El contenido de la forma o la forma de los contenidos le pertenece a cada creador, considerando -eso si- que detrás hay una idea un concepto, tanto en poesía como en pintura, sin perder de vista ambos productos. Y Elsa Gillari sabe muy bien dónde está, y adónde quiere llegar, tanto en lo conceptual como formalmente.

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Esa bellísima teatralización

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En términos metafóricos se podría ver la locura como una especie de pensamiento desajustado, que no encaja con el oficial. Pero es un tema escabroso, porque los locos no son metáforas ni abanderados políticos, sino gente que lo pasa mal.

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Sin embargo, me interesa dejar en claro que, tanto a poetas como pintores, se les atribuye cierta locura. Obviamente no lo que significa culturalmente, no ese mundo de los locos, aunque hay pintores, poetas, artistas que están encerrados y sufriendo en éxtasis en su territorio oscuro.

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Cualquiera que vea dos o tres pinturas de Elsa Gillari y lea sus poemas al pié de esas obras, verá que está ante una loquilla con nombre y apellido, conectada con su entorno, es decir, la naturalidad, la originalidad, la pureza, la autonomía…

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Sin duda, su divino entusiasmo, razón por la cual la hemos invitado desde Argentina a ampliar su territorio metafórico en este Salón.

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1-He podido visualizar que usted tiene una postura anti-pintura en sus obras. Tiene conciencia de ello?

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Considero que la pintura no sólo debe ser un objeto decorativo. Debe transmitir mensajes que generen apertura mental y nuevas conciencias .Que el espectador se encuentre identificado en ella en uno o varios aspectos y se produzca un cambio en él. Mi pintura es surrealista, simbolista y conceptual - cuando utilizo la razón son conceptuales especialmente en arte digital-. Me aparecen imágenes mentales a modo de fotografías luego de un proceso de gestación en mi interior del cual no soy consciente. Cuando aparecen es el momento de pintar sin boceto previo ya que contaminaría la imagen. Tuve dos períodos, que sólo podía pintar bajo angustia, y llorando ante el lienzo con emociones que debía liberar y así poder sublimar. Más que un disfrute era una tortura, estaba totalmente involucrada. Pero al terminarla lograba tener paz. Por supuesto son las que más movilizan al espectador. Mi postura anti-pintura no es premeditada. Simplemente que al tener formación en talleres “no estoy academizada”. Adquirí la técnica pero no perdí mi autenticidad ni estoy estructurada. Se puede ver que en mis pinturas el primer plano parece flotar en el aire por no fundirlo con el fondo como pide la Academia. Rompo con los cánones de la vieja escuela, buscando una visión fresca, nueva y espontánea.

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2- Qué pretende usted contar a través de su arte conceptual, considerando que el espectador recoge imágenes, ideas, un objeto o algo similar?

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La idea es plasmar el ser humano actual en toda su dimensión, básicamente, bajo un concepto bio-psico-social dejando huellas de estos tiempos actuales. Hoy, no existe la censura en el arte, el artista se expresa libremente. Percibo una humanidad consumista, poderes políticos corruptos, cuerpos siliconados como modelo de belleza artificial, se debe ser joven y bello discriminando al anciano fuente de sabiduría. La pobreza y desnutrición infantil. La Globalización que ha generado miseria y desocupación laboral a tal punto que se ha llegado a una crisis económica mundial. Una Instalación en la que trabajé dos años es “Humano Ser- Ser- Ser Humano” compuesta de calcos fragmentados sobre modelo vivo, dejando la impronta de los cuerpos en la que llamo Neo-Escultura.
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También el avance de la cibernética que se impuso en la sociedad modificándola notablemente. De aquí surge mi instalación Cybervínculo.
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Siento una profunda admiración por el arte conceptual de Marcel Duchamp, Man Ray, y otros precursores del movimiento que gestaron el estilo Dadá “arte-anti-arte” con el que me identifico plenamente, ya que la idea prima sobre el objeto soporte, es el sentido que la creó. Me surge el Ready-Made Digamos que me fundamento en la idea o concepto que luego transformo en objeto visual, por ejemplo mi obra La Globalización.

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En arte conceptual es muy importante el título de la obra ya que pasa a completar el concepto, forma parte de la idea dando mayor comprensión al objeto.
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3- En rigor, usted, nos mostró sus pinturas en un tiempo no muy lejano en una red social literaria, y luego, quizás un año, la hemos visto incursionar en poesía y narrativa. Cuál ha sido su motivo fundamental para ir complementando dichas artes, y cuál es su apuesta hoy día, qué le dice su razón?

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Escribía en un lenguaje plástico y en asociación libre como otra forma de expresión e investigación artística, componentes filosóficos y conceptos. Varios de esos textos los incorporé a algunas pinturas unificando texto y color. Hice una serie. Pero, sentía una falta, no me sentía completa en mi expresión, necesitaba una nueva forma de manifestarme literariamente. Me incorporé a la red literaria mostrando mis obras visuales ya que la pintura también es poesía, tiene texto .Con el tiempo, de tanto leer a diario narrativas, poesías y poemas me animé a escribir comenzando con poemas, siguiendo con narrativa y prosa poética .Cuanto más escribía más desaparecía esa falta que sentía. Creía ser sólo artista visual desconociendo que también tenía talento a desarrollar para las letras. Al principio, observaba mis pinturas y expresaba una lectura sobre ellas con poemas, completándolas ya que las veía inconclusas. Eso se me hizo hábito y aún lo hago. A veces sucede lo inverso me inspiro en un poema y luego creo la imagen unificándolos. No están disociados pluma y pincel, se pueden considerar complementarios.
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Apuesto a seguir aprendiendo y perfeccionando mis letras sin exigirme, me permito fluir como en mis otras expresiones artísticas en absoluta libertad, sin ajustarme a la Academia.

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Soy creativa, no sólo artista visual y digital. Me permito todo tipo de creatividad en el momento que surge, como sucede con mi pluma. Nunca asistí a un taller literario, mis letras nacen y se concretan en su estado puro.

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4- Qué ideas o conflictos consigo misma son los que la perturban para salvarse en un lienzo o papel, porque es evidente que ambas artes plantean una cuestión a resolver?

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Soy más emotiva que racional, en mí predomina la emoción. Nadie está libre de conflictos, algunos los resolvemos y otros no. El motor que me lleva a crear es mi inconsciente, donde anidan mis emociones, conflictos, frustraciones, alegrías, tristezas del pasado o presente situaciones que me motivaron o me están motivando sean buenas o malas y necesitan manifestarse previa gestación en mi interior a nivel inconsciente en un proceso creativo. En mi poesía predomina la lírica. Constantemente me cuestiono la existencia, el motivo de la vida, la evolución e involución del ser humano. Aunque, en mis textos no siempre escribo lo que me sucede a mí. Tomo historias prestadas, leo al otro, uso la imaginación pero siempre sin excepción existe un mínimo componente parecido que me pertenece y, se exterioriza en una pulsión inconsciente que no percibo en el momento. Tomo conciencia a veces por los comentarios. Mi conflictiva es la muerte. Temo por la muerte de mis seres queridos y la mía propia. Eso hace que mi obra sea dramática, aunque me ayuda el ser optimista, positiva y poseer sentido de humor por eso sublimo plasmando o escribiendo libero en parte o su totalidad mi zona conflictiva. Tampoco estoy encasillada en las letras, a veces necesito reírme con la poesía o narrativa y tomo temáticas divertidas.

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5- Personalmente veo que su poesía es analítica, desde el punto de vista de la descomposición de los objetos igual que su pintura, asimismo sintética, si la comparamos con la ruptura de la sintaxis, pero ambos casos se rescatan escenas interiores. Podría ser figurativa?

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Soy demasiado analítica. Comienzo por un todo hasta llegar a la síntesis. Pulo el objeto o sujeto hasta llegar a su esencia. De allí que mi poesía es sintética rescato solamente lo esencial sin adornarla, a veces sin estar sujeta al ritmo pero sí a la imagen y sentimientos. Algunas veces soy figurativa, muy concreta. Especialmente en mis poemas sociales donde denuncio y protesto. Con respecto a la pintura compongo igual en síntesis, el mensaje que deseo transmitir jugando con los colores fríos y cálidos, contraponiéndolos para destacar mi idea, algunas parecen figurativas pero no lo son. De hecho, nunca pinto bodegones ni paisajes. Sí, retratos. No estoy encasillada soy multifacética.

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6- Qué pintura le ha impactado a usted, y quién es su autor(a)?

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He visitado y visito museos y galerías de arte, donde encontré pinturas y esculturas que produjeron en mí un fuerte impacto por su temática o composición. Por otro lado, el estar frente a “las Meninas” de Diego Velázquez o cometer la infracción de tocar “Los Girasoles” de Van Gogh, “El Beso” y “El Pensador” de Rodin, “Mujer en la Escalera” de Duchamp y una larga lista de pinturas y esculturas me es difícil elegir una en especial. Un fuerte impacto me produjo la expo de Vangelis, ya que todas sus obras tienen la vibración y el color de la música tal cuál la siente ese artista genial logrando pinceladas musicales, especialmente su pintura “El Ángel”, todas sus pinturas tienen su sello de músico y griego, quedé fascinada con su obra pictórica. “Mujer golpeada” una pintura que me impresionó, creación de un colega amigo Fabián Vastasimon la cual se la adquirí, ya que me impactó bastante.

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7- Fracturemos la poesía. Con qué huesos se quedaría usted? Y qué poeta es su referente que ha tomado como modelo?

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Si la fracturamos “literalmente en huesos” me quedo con la columna vertebral”. Si bien soy sintética, respeto básicamente un comienzo, desarrollo y final que debe tener todo texto poético o narrativo. Le doy mucha importancia al cierre. No he tomado como referente a ningún poeta, no tengo modelos adquiridos de otros, creo que es por haber leído a tantos escritores y poetas, pero sabemos que inconscientemente copiamos en algo a quien admiramos. Tengo influencias de André Breton. Admiro a Mario Benedetti.

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8- Usted se expresa a través de figuras humanas, fragmentadas o mutiladas las más de las veces, utilizando inusitados materiales. Es acaso un impulso de abstracción de las cualidades esenciales de los miembros del cuerpo humano, o simplemente es una idea abstracta o construcción mental de ello?

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Los cuerpos fragmentados son las Neoesculturas conceptuales. No son cuerpos mutilados. Hago una lectura rápida ante el modelo vivo desnudo, le pido que haga diferentes movimientos hasta encontrar la pose que busco, el fragmento de su cuerpo con sentido estético, plástico y en lo posible con movimiento. Primer paso es la idea, el concepto que me lleva a buscar el cuerpo que necesito. Por ejemplo “Siliconas” necesitaba una modelo que tenía los senos con siliconas. Calqué los senos y parte del torso, si seguía con otras partes del cuerpo salía de contexto dispersándose la idea de expresar solamente la belleza antinatural producto de la cirugía plástica.

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9- Qué atrae su atención?

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Todo lo nuevo para mí donde encuentro que puedo aprender. Soy ávida de conocimientos. Es mi alimento.

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10- Qué lugar ocupa en usted la espiritualidad?

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Ocupa un primer plano. Creo en la reencarnación. En la elevación espiritual a través de diferentes vidas. Trato de evolucionar constantemente en el plano espiritual. No es nada fácil subir la escalera imaginaria de la evolución. Soy un ser espiritual por naturaleza con marcada sensibilidad y una percepción extrasensorial generalizada .Logro evolucionar sólo en sintonía con el amor. Mi condición de humana con mis defectos, falencias y errores no me permiten ascender hasta aprender la lección. Me rijo por“La ley Universal” que dice “no le hagas al otro lo que no te gusta que te hagan a ti. Somos mente, cuerpo y espíritu Me sostengo en lo atemporal del espíritu . Controlo mi ego para no caer en la soberbia y egocentrismo intentando ser lo más humanamente humilde.

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11- Usted guarda imágenes para el cuadro aún no pintado, ese que el artista sueña pintar algún día?

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Como mujer ya he creado mi mejor obra que es mi hijo. Cómo artista no me propuse crear una determinada obra. Si, me propuse seguir creciendo, sin atarme a metas a futuro ya que me sentiría presionada por mí misma y lo único que lograría sería bloquearme. Considero que la mejor obra se crea trabajando y evolucionando en el arte con perseverancia y disciplina aunque a pesar de eso muchas veces no se logra. Pero, el talento y el ser creativo puede dar sorpresas y la mejor obra surge en el momento menos pensado. No me preocupa si muero sin haber creado mi mejor obra artística. Para mí el arte es un medio y no un fin.

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12- Los poetas buscan el sentido de la vida. Qué le diría usted a los lectores del Salón, sabiendo que la mayoría de los asistentes son poetas…

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Como ya dije, cuestiono el sentido de la vida. Nietzsche habló del poder del hombre sobre el hombre. El poeta tiene el poder de la palabra, el poder del hombre sobre el hombre pero no en el sentido que lo dijo Nietzsche, sino con la palabra. El mundo no mira al poeta pero el poeta si mira al mundo. Les diría que sigan mirando al mundo y escribiendo sobre él, falta bastante por decir.

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Biografía

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Nací bajo el signo Sagitario, fuego y pasión. Hija de italianos emigrantes después de la segunda guerra mundial arribaron aquí a Buenos Aires donde nací. Aprendí a hablar su lengua desde mis primeras palabras ya que en casa hablaban su idioma. Tengo dos hermanos varones uno mayor que yo y otro menor. Mi infancia fue feliz criada en un ambiente de valores humanos y morales. De concepto de familia. Pasaba mucho tiempo con mi abuela materna que me mimaba, era su única nieta mujer y preferida, me complacía en todo. Mi tío me enseñaba geografía y mitología griega y romana. Debía estudiar todos los países del mundo y sus respectivas capitales especialmente, tomándome después examen. Comencé a sentir interés por conocer y viajar por el mundo. Vivíamos en un barrio no muy poblado, con calles de tierra, casi campo. Cuando fuimos a vivir allí tenía tres años, así que crecí en contacto con la naturaleza hasta que se fue poblando. Mi madre además de los quehaceres domésticos y criarnos se dedicaba a la costura fina. De ella aprendí costura de tanto mirarla. Cursé la escuela primaria y parte de la secundaria en colegio de monjas, estrictas y castradoras de las cuales no guardo gratos recuerdos. Siempre me destaqué en dibujo y pintura. A los doce años dibujé en grafito a La Gioconda y la Directora se apoderó del dibujo, lo enmarcó y lo colocó en la Dirección de la escuela en exhibición sintiendo yo, que me había robado mi obra maestra. Aún se encuentra allí. Algunas compañeras me pedían que les haga las tareas de arte. Terminé la escuela secundaria recibiéndome de Bachiller en colegio estatal mixto, muy feliz de no sentir más la opresión de la aberrante disciplina de las monjas. Estudié inglés en la escuela Cambridge y perfeccioné durante tres años en la Dante Alighieri el italiano ya que mi familia hablaba en dialecto de su pueblo. Aprendí a dibujar de muy niña copiando especialmente los dibujos de Walt Disney a los que pintaba con lápices de colores. También copiaba rostros y cuerpos de revistas, construcciones en perspectivas, bodegones, estudiando luces y sombras, cómo levantar planos y dar volumen utilizando grafitos. Aprendí mis primeras técnicas en la escuela siendo la materia de Artes la que más me apasionaba y tenía las mejores calificaciones. En segundo plano Geografía y Lenguas. A los cinco años vi por primera vez un avión de cerca y me enamoré de los aviones. A los quince años le dije a mis padres que quería ser piloto. Me dijeron que no “por ser mujer” además de no poder costearme la carrera. Cuando terminé el Bachiller, conseguí un trabajo de recepcionista en una empresa de taxi aéreo durante tres años en el Aeropuerto de cabotaje. Luego pase a trabajar en Aerolíneas Argentinas en el mismo Aeropuerto, en el sector tráfico donde mi función era recepcionar a los pasajeros antes de viajar, y otras funciones diversas. La empresa nos otorgaba el beneficio de pasajes gratis por todo el mundo lo cual me permitió conocer bastantes países especialmente Grecia, Italia, Nueva York. También trabajé en una agencia de viajes logrando obtener la licencia de “idónea en turismo”. Me casé con un piloto e Ingeniero de Vuelo mi actual esposo con quien tuve un hijo que está estudiando la carrera de piloto que al parecer le transmitimos nuestra pasión por los aviones. Seguí viajando conociendo nuevos países y visitando los famosos museos como ser El Louvre, Museo del Prado, Orsay, El de Auguste Rodin y otros así como galerías de arte. El viajar tanto me permitió adquirir cultura y conocer diferentes etnias. Mi formación artística es de talleres. Comencé a asistir de muy jovencita, perfeccionándome de adulta cuando comencé a asistir al taller del prof. Angel Borissoff quien me enseñó todas las técnicas especialmente el estudio del modelo vivo femenino y masculino. Poseo el privilegio de tener buena memoria visual. Registro imágenes que no olvido para luego plasmarlas. Estudié tres años “Humor gráfico” aprendiendo especialmente caricaturas y estudiando a los grandes caricaturistas. Paralelamente asistía en el mismo Instituto al taller de dibujo y pintura artística, lo cual se me complicaba bastante ya que las técnicas gráficas son opuestas. Seguía siendo copista pero ya de maestros del arte, además de hacer retratos del natural o fotografías. Al tercer año de asistir al taller de José Marchi dejé de copiar y crear desde mí generando mi propio lenguaje y expresándome en diferentes estilos aprendidos, que llamo mi primer período en la pintura. Leí y leo bastante, especialmente a los grandes maestros del arte que marcaron estilos y tendencias. Soy selectiva en la lectura, prefiero la que me enseña, que me dejan conocimientos potables. Mi padre era músico, tocaba “el bombardino” (instrumento de viento) que aún conservo y lo tengo en mi atelier como una reliquia y sus partituras junto a una foto sepia con su uniforme ya que tocaba en la banda de su pueblo natal. Cuando llegó a Argentina siguió por un tiempo ya que su trabajo no le permitía tener tiempo libre para su vocación. Me transmitió el amor por la música. Estudié música tocando el Saxofón. Siempre me caractericé por mi avidez de conocimientos, por aprender y experimentar, aun hoy. Soy más emocional que racional, pero cuando debo tomar decisiones lo hago racionalmente. Poseo una sensibilidad muy marcada y una percepción extrasensorial generalizada. Como también creo arte conceptual escribía textos en un lenguaje plástico expresando conceptos antes de concebir la obra. También, escritura en asociación libre consiguiendo liberar conflictos que elaboraba extraídos del inconsciente, como hacían los primeros surrealistas. En el 2003 y 2004 estudié exclusivamente arte conceptual especialmente a Marcel Duchamp. Visité tres veces la muestra Dadá que se expuso en el museo Malba reunidas las grandes obras de esa corriente artística. Fue el tiempo que trabajé en la instalación compuesta por 16 esculturas y fotocollages. Pero sentía un vacío en mí que no llegaba a definir, como que las artes visuales no me completaban, sentía una falta. Me inscribí en una red social literaria a fines del 2008 como artista visual. Leía a diario los variados textos que publicaban mis colegas y así me animé y comencé a escribir. En este período llevo escritos cuatro relatos y noventa poemas. Posteo un poema acompañado de una obra visual o digital relacionándose entre sí. La obra viene a mí, no la busco. Experimento e investigo, no puedo bocetar voy directo al soporte o al word. Me aparecen imágenes mentales como fotografías que luego plasmo en el lienzo u otro soporte, voy gestando la obra a nivel inconsciente hasta que aparece la imagen. Sublimo en la pintura y la escritura. El expresarme a través de las letras hace que ya no sienta la falta, el vacío que antes sentía. En la adolescencia escribía poesías que todavía conservo. Crear arte digital me relaja. Trabajo solo con Photoshop y disfruto hacerlo además de ser un desafío. También, he disfrutado por ser una nueva experiencia cuando creé la instalación de esculturas, conceptuales, de calcos sobre modelos vivos, cuerpos fragmentados, que hablan de la presencia de la ausencia al hacerles una lectura de su anverso y reverso, las cuales llamo Neo-Esculturas. Trabajé en ella durante dos años. El ser creativa me permite infinidad de expresiones artísticas sin cuestionarme el porqué ni si las venderé. Amo el arte en toda su expresión.

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BUSCANDO LA BELLEZA

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El espejo seguía intacto por milagro. Resistía estoicamente a los golpes

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su terso y elegante cuello de cisne se había transformado

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en un triángulo isósceles

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y los surcos en su rostro hablaban sobre el paso de los años

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además…

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sus párpados caían cubriendo la cuarta parte de los ojos

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(demostrada la teoría física sobre la ley de gravedad)

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La llamaban “Adelaida la de las tetas cáidas”

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El espejo fue repuesto…(ya no resistió)

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Siliconasbotoxlipoaspiraciónliftingbisturí

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¡Ahora la llaman BARBIE!

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*Fotomanipulación digital Net Art - Elsa Gillari

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PARANORMAL

ese Ser………………….lumínico
hostigado por sub-mundos
arbitrarios y siniestros
donde habitan
oscuras entidades
sedientas y hambrientas de luz
con sus fauces lo devoran
E-NER-GE-TI-CA-MEN-TE
hasta que…
sus neuronas
disfuncionadas…
rebuscan el equilibrio
y conquistan batallas

¿locura?...........¡NO!

¡paranormal!
¡extrasensorial!

“Es su naturaleza”

arduo padecer de espíritu elevado
y resplandor iridiscente
que encandila a
negras áureas extraviadas
en bajas dimensiones astrales
que famélicas atosigan y devoran
para nutrirse…………………………pero
vuelven a fenecer en su lobreguez
porque …

“Es su naturaleza”

*Fotomanipulación digital (Net Art) - Elsa Gillari

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SOY OTOÑO

regocíjome en mi lar con chimenea
(en mis gélidos inviernos)
……………………………………………………….

Incienso, mirra y sándalo
junto a lumínicas velas blancas
en mi templo…
( medito)

aún poseo sueños, consérvome calma
(importante)

trinos desde el nido de
mi añejo árbol ancestral (ya)
en calma
aunque quedan algunas espinas

y
dibujo imágenes celestes
dejando huellas invisibles

…………………………..
he echado raíces
……………………….....

el Ave Fénix resurgió
una vez mas
de entre las cenizas

*Arte digital (netart) - Elsa Gillari